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平面设计公司不赚钱 平面设一个45岁的专职平面设计师吐槽：平面设计师可能是个即将消亡的职业！他 98年工艺美术专业毕业 做平面设计20多年 现在觉得自己越来越不值钱 还受不到尊重。身为设计师 我同样有这样的感受：客户永远是会对你指手画脚 永远会觉得还可以再改进 设计和艺术就是一个不完美的学科。
平面设计有前途吗？ 平面设计公司不赚钱
平面设计的应用最广泛 几乎无处不在。
你有留意过你所在城市中的美术馆和博物馆吗？其中的平面设计承载了不同美术流派的演化和当地的历史。
如今美术馆的作用已经不止局限于基本的陈列展示 教育机构、社交场所、参与文化传播 还有 艺术商店——美术馆有了更多的角色。
除了展品 美术馆有太多你可能随时忽略掉的好设计。可能是售票处的拐角、藏在出口旁的小空间、你没有抬起头看过的标识物……
这些平面设计 它可能决定了一家美术馆的气质。
艺术和设计一直存在相互的渗透和交叉 而平面设计师作为其中辅助性的参与者 在与美术馆有关的各种平台和环境内影响着人们参观时的感受 与观众产生互动。
设计师们负责了文化机构的视觉形象设计 包括标志 海报 出版物 作品说明 导览地图 以及更多从中衍生出的传播介质。
他们往往结合建筑空间和美术馆的特征 发挥自己的个人创意 塑造出美术馆在人们心中的形象。同时 也基于特定的需求 设计出具有功能性的标识体系 两者相辅相成 服务于观众 让平面标识和物理空间有机的结合在一起。
顺应变化着的世界 社会背景和技术的变化发展 设计师们的实践在不同语境下产生了不一样的结果。他们以别具一格的方式 为字符和图案附加了文化属性 体现了平面设计的发展和设计师们的巧妙构思 让文化机构的形象更具吸引力 促使更多的人走进美术馆了解艺术 营造出更加开放、包容的文化场景。
我们选取了数个设计师为不同美术馆设计的视觉** 尝试让你从这些具有影响力案例中了解平面设计在其中发挥的作用。
Louvre
**巴黎的卢浮宫作为全球参观人数最多的博物馆 也是全球最为知名的美术馆之一。曾经作为****者的王宫转变为如今面向公众开放的文化机构 见证了**从封建社会到现代国家的变化 馆藏囊括了众多世界名作 同样记录着人类的历史。
1989 年 以贝聿铭为卢浮宫设计的玻璃金字塔入口建成为契机 卢浮宫的管理团队开始着手博物馆的视觉形象更新 需要设计一个能够代表卢浮宫的标志 以便更好的和公众沟通。
平面设计师 Pierre Bernard 和他参与创立的工作室 Grapus 为卢浮宫设计了标志 契合古典建筑和藏品的特点 希望传达出美术作品中隽永、不被时间影响的美感。设计师与他的合作伙伴在 1968 年巴黎**的**活动中相识 同为**主义者 他们相信设计和文化产品能够影响公众 为社会进步做出贡献。
Bernard 选用了 Granjon 字体作为标志的主体 Granjon 是由英国设计师 George W Jones 以十六世纪**书籍上使用的印刷体为蓝本创造的旧体衬线字体 带有**文艺复兴风格 与美术馆的视觉风格契合。而另一方面 他们决定截取出单词 Louvre 让标志更加简洁 容易记忆。
在标志的构成上 Bernard 运用了象征性的表达方式。选取了一张带有云朵的天空图像 修长的白色字体飘浮在广阔无限的天空 让标志的组成与观看艺术的体验相关联 呼应了人们仰望天空时的感触 共同指向了一种神秘的、难以用语言形容的崇高体验。
在印刷技术不甚发达的九十年代 带有背景的标志十分罕见。无疑也是最具革新性的 黑白图像给二维标志带来了更为丰富的感受 这一设计也沿用至今日。
设计师还将画作和雕塑从博物馆背景中截取出来 散落在白色背景里 图片之间叠加、拼接在一起 以更加现代的手法演绎了经典作品 设计出博物馆目录。
Centre Pompidou
蓬皮杜中心由 Renzo Piano 和 Richard Rogers 设计 错综复杂的钢铁结构组成了一座巨大的文化工厂 建筑师将建筑的骨骼和内部结构展现在人们的眼前 在不同的结构和管道漆上鲜明的颜色 区分着功能。
为充满典雅建筑的巴黎带来了的新鲜气息 划时代的高科技风格在今天看来仍然保有激进的特质。
瑞士设计师 Jean Widmer 受邀为中心设计了图案标志 将图案和标志性的建筑外形联系起来 用醒目的几何线条勾勒出从底层贯穿至顶层的扶手电梯 如同旗帜一般。强调着美术馆令人印象深刻的建筑结构。
但实际上 Widmer 原本希望图案能够按照他的设想进行艺术加工 只绘制五条粗线以获得视觉上的理想状态 但决策者与他的理想产生了分歧 坚持要保留六根线条 与实际楼层相符。但最终的结果也获得了大众的认可。
他还为美术馆设计了空间中的标识** 为了避免庞杂的**让空间的观感混乱 使用了垂直的标牌 以更好的引导访客的视线。
Widmer 曾就读于苏黎世艺术学院 而当时的校长正是曾在包豪斯担任教授的设计师 Johannes Itten。受 Itten 的色环理论启发 Widmer 设计了馆内的识别**。用互补**分了不同的部门。
2000 年至 2008 年期间 由设计了卢浮宫标志的设计师 Bernard 成立的工作室 Atelier de création graphique 继续发展美术馆的平面** Bernard 在这期间设计了更加成熟的体系 注重展览宣传和海报以及广告 统一了宣传资料的版式。
自 2009 年起 CL design 在过去的基础上继续完善了馆内的导览标识 为了保证观众能够更有效率的找到展览场地 在标牌方面做出了改善。
大厅内加装了灯箱装置。二极管构成的招牌具有活跃的气息 让空间更加贴近生活。
建筑事务所 OMA 受百货商场 Galeries Lafayette 委托 将位于巴黎 Le Marais 区的一栋旧工业建筑改建成了画廊 项目包含了讲座和表演空间。是 OMA 在原有建筑结构旁加装了两组电机和移动楼板 楼板能够在不同的楼层之间移动 以适应不同需求。
与原本楼层的边缘相连 扩充了不同楼层的展览空间 在移动楼板上举办展览和表演 这些具有活动性的楼板让建筑的空间拥有了更加多样的使用方式 展览空间不再被固定的高度所限制 建筑成为了活动的机器。
品牌咨询公司 Wolff Olins 因大胆 活泼的风格获得了广泛的关注。在 2012 年设计了伦敦**会的标志 还与 Marina Willer 共同设计过 Tate 博物馆的标志。
Olins 的设计师为画廊设计的字体以建筑的可活动性为出发点 打造了一套风格活泼的字体 他们改变了每个字母的高度 并将其切割开 分成两个部分的字体在暗示建筑的特殊的功能性。就像调皮的字母们在乘坐升降机 却被看不见的楼板挡住了一半身体 处于运动状态的字符和机械结构相呼应。让展览空间的标志更加活跃。
同时 设计师们也为此字体开发了一套算法 在键入字符时字母的高度会随机改变。产生不同的形态组合 处于动态中的字
平面设计有前途吗？ 平面设计公司不赚钱
平面设计的应用最广泛 几乎无处不在。
你有留意过你所在城市中的美术馆和博物馆吗？其中的平面设计承载了不同美术流派的演化和当地的历史。
如今美术馆的作用已经不止局限于基本的陈列展示 教育机构、社交场所、参与文化传播 还有 艺术商店——美术馆有了更多的角色。
除了展品 美术馆有太多你可能随时忽略掉的好设计。可能是售票处的拐角、藏在出口旁的小空间、你没有抬起头看过的标识物……
这些平面设计 它可能决定了一家美术馆的气质。
艺术和设计一直存在相互的渗透和交叉 而平面设计师作为其中辅助性的参与者 在与美术馆有关的各种平台和环境内影响着人们参观时的感受 与观众产生互动。
设计师们负责了文化机构的视觉形象设计 包括标志 海报 出版物 作品说明 导览地图 以及更多从中衍生出的传播介质。
他们往往结合建筑空间和美术馆的特征 发挥自己的个人创意 塑造出美术馆在人们心中的形象。同时 也基于特定的需求 设计出具有功能性的标识体系 两者相辅相成 服务于观众 让平面标识和物理空间有机的结合在一起。
顺应变化着的世界 社会背景和技术的变化发展 设计师们的实践在不同语境下产生了不一样的结果。他们以别具一格的方式 为字符和图案附加了文化属性 体现了平面设计的发展和设计师们的巧妙构思 让文化机构的形象更具吸引力 促使更多的人走进美术馆了解艺术 营造出更加开放、包容的文化场景。
我们选取了数个设计师为不同美术馆设计的视觉** 尝试让你从这些具有影响力案例中了解平面设计在其中发挥的作用。
Louvre
**巴黎的卢浮宫作为全球参观人数最多的博物馆 也是全球最为知名的美术馆之一。曾经作为****者的王宫转变为如今面向公众开放的文化机构 见证了**从封建社会到现代国家的变化 馆藏囊括了众多世界名作 同样记录着人类的历史。
1989 年 以贝聿铭为卢浮宫设计的玻璃金字塔入口建成为契机 卢浮宫的管理团队开始着手博物馆的视觉形象更新 需要设计一个能够代表卢浮宫的标志 以便更好的和公众沟通。
平面设计师 Pierre Bernard 和他参与创立的工作室 Grapus 为卢浮宫设计了标志 契合古典建筑和藏品的特点 希望传达出美术作品中隽永、不被时间影响的美感。设计师与他的合作伙伴在 1968 年巴黎**的**活动中相识 同为**主义者 他们相信设计和文化产品能够影响公众 为社会进步做出贡献。
Bernard 选用了 Granjon 字体作为标志的主体 Granjon 是由英国设计师 George W Jones 以十六世纪**书籍上使用的印刷体为蓝本创造的旧体衬线字体 带有**文艺复兴风格 与美术馆的视觉风格契合。而另一方面 他们决定截取出单词 Louvre 让标志更加简洁 容易记忆。
在标志的构成上 Bernard 运用了象征性的表达方式。选取了一张带有云朵的天空图像 修长的白色字体飘浮在广阔无限的天空 让标志的组成与观看艺术的体验相关联 呼应了人们仰望天空时的感触 共同指向了一种神秘的、难以用语言形容的崇高体验。
在印刷技术不甚发达的九十年代 带有背景的标志十分罕见。无疑也是最具革新性的 黑白图像给二维标志带来了更为丰富的感受 这一设计也沿用至今日。
设计师还将画作和雕塑从博物馆背景中截取出来 散落在白色背景里 图片之间叠加、拼接在一起 以更加现代的手法演绎了经典作品 设计出博物馆目录。
Centre Pompidou
蓬皮杜中心由 Renzo Piano 和 Richard Rogers 设计 错综复杂的钢铁结构组成了一座巨大的文化工厂 建筑师将建筑的骨骼和内部结构展现在人们的眼前 在不同的结构和管道漆上鲜明的颜色 区分着功能。
为充满典雅建筑的巴黎带来了的新鲜气息 划时代的高科技风格在今天看来仍然保有激进的特质。
瑞士设计师 Jean Widmer 受邀为中心设计了图案标志 将图案和标志性的建筑外形联系起来 用醒目的几何线条勾勒出从底层贯穿至顶层的扶手电梯 如同旗帜一般。强调着美术馆令人印象深刻的建筑结构。
但实际上 Widmer 原本希望图案能够按照他的设想进行艺术加工 只绘制五条粗线以获得视觉上的理想状态 但决策者与他的理想产生了分歧 坚持要保留六根线条 与实际楼层相符。但最终的结果也获得了大众的认可。
他还为美术馆设计了空间中的标识** 为了避免庞杂的**让空间的观感混乱 使用了垂直的标牌 以更好的引导访客的视线。
Widmer 曾就读于苏黎世艺术学院 而当时的校长正是曾在包豪斯担任教授的设计师 Johannes Itten。受 Itten 的色环理论启发 Widmer 设计了馆内的识别**。用互补**分了不同的部门。
2000 年至 2008 年期间 由设计了卢浮宫标志的设计师 Bernard 成立的工作室 Atelier de création graphique 继续发展美术馆的平面** Bernard 在这期间设计了更加成熟的体系 注重展览宣传和海报以及广告 统一了宣传资料的版式。
自 2009 年起 CL design 在过去的基础上继续完善了馆内的导览标识 为了保证观众能够更有效率的找到展览场地 在标牌方面做出了改善。
大厅内加装了灯箱装置。二极管构成的招牌具有活跃的气息 让空间更加贴近生活。
建筑事务所 OMA 受百货商场 Galeries Lafayette 委托 将位于巴黎 Le Marais 区的一栋旧工业建筑改建成了画廊 项目包含了讲座和表演空间。是 OMA 在原有建筑结构旁加装了两组电机和移动楼板 楼板能够在不同的楼层之间移动 以适应不同需求。
与原本楼层的边缘相连 扩充了不同楼层的展览空间 在移动楼板上举办展览和表演 这些具有活动性的楼板让建筑的空间拥有了更加多样的使用方式 展览空间不再被固定的高度所限制 建筑成为了活动的机器。
品牌咨询公司 Wolff Olins 因大胆 活泼的风格获得了广泛的关注。在 2012 年设计了伦敦**会的标志 还与 Marina Willer 共同设计过 Tate 博物馆的标志。
Olins 的设计师为画廊设计的字体以建筑的可活动性为出发点 打造了一套风格活泼的字体 他们改变了每个字母的高度 并将其切割开 分成两个部分的字体在暗示建筑的特殊的功能性。就像调皮的字母们在乘坐升降机 却被看不见的楼板挡住了一半身体 处于运动状态的字符和机械结构相呼应。让展览空间的标志更加活跃。
同时 设计师们也为此字体开发了一套算法 在键入字符时字母的高度会随机改变。产生不同的形态组合 处于动态中的字
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